Este tópico é um recorte da lista dos 250 melhores álbuns do século 21 pela revista.
A lista original está aqui: The Best Albums of the 21st Century So Far
Algo que chama a atenção na lista é a subvalorização para bandas best selling como Linkin Park e Coldplay, bandas que venderam muito e fizeram muito sucesso nos últimos 25 mas que foram esnobadas da lista. Por outro lado, algumas das bases do gênero apareceram, assim como uma valorização da nova geração. A lista se demostra bem variada, com muito Indie, Alternativo, Psicodélico, techno-rock, Hard rock, Post-Punk, Pop Punk e Pop Rock.
Resumo
50 Mastodon, ‘Leviathan’
49 My Morning Jacket, ‘It Still Moves’
48 The Postal Service, ‘Give Up’
47 Alabama Shakes, ‘Boys & Girls’
46 U2, ‘All That You Can’t Leave Behind’
45 Drive-By Truckers, ‘Southern Rock Opera’
44 System of a Down, ‘Toxicity’
43 Courtney Barnett, ‘Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit’
42 Natalia Lafourcade, ‘Hasta la Raíz’
41 Fountains of Wayne, ‘Welcome Interstate Managers’
40 Stephen Malkmus and the Jicks, ‘Mirror Traffic’
39 Tame Impala, ‘Currents’
38 Animal Collective, ‘Merriweather Post Pavilion’
37 Waxahatchee, ‘St. Cloud’
36 Juanes, ‘Un Día Normal’
35 Franz Ferdinand, ‘Franz Ferdinand’
34 Fall Out Boy, ‘From Under the Cork Tree’
33 Big Thief, ‘U.F.O.F.’
32 Spoon, ‘Kill the Moonlight’
31 Beck, ‘Sea Change’
30 My Chemical Romance, ‘The Black Parade’
29 The Mountain Goats, ‘Tallahassee’
28 Deftones, ‘White Pony’
27 Fiona Apple, ‘Extraordinary Machine’
26 Brian Wilson, ‘Smile’
25. Lucy Dacus, ‘Home Video’
Dois anos antes de boygenius se tornar nuclear com seu álbum de estreia completo em 2023 — trazendo Lucy Dacus à fama mainstream — ela lançou a silenciosa obra-prima Home Video. Como The River, de seu herói Bruce Springsteen, é um álbum de amadurecimento que reflete sobre sua juventude em Richmond, Virgínia, repleto de memórias que são às vezes ternas, agonizantes ou ambas. Do amor jovem (“First Time”) ao acampamento bíblico (“VBS”) ao anseio queer (“Triple Dog Dare”) às amizades ferozmente leais (“Christine” e “Thumbs”), não há pulos aqui — apenas 11 músicas eloquentemente construídas que provam que Dacus é uma contadora de histórias estelar por direito próprio. —A.M.
24. Gorillaz, ‘Demon Days’
Tendo já definido o pop britânico no seu melhor nos anos noventa, o ambicioso e incansável vocalista do Blur, Damon Albarn, teve um segundo ato legal neste século com a “banda virtual” Gorillaz. Apresentando-se como avatares de desenho animado, eles entregaram sons lúdicos com uma corrente distópica vagamente leve em músicas como “Every Planet We Reach Is Dead” e “Kids With Guns”. A mistura dub e distraída de alt-pop e hip-hop que eles criaram — primeiro em sua estreia autointitulada de 2001, e depois neste sucessor — também fez um sucesso pop surpreendente graças ao hit funky “Feel Good Inc.” —J.D.
23. Arcade Fire, ‘Funeral’
Elegíaco, mas triunfante, caseiro, mas maior que a vida — o álbum de estreia do coletivo de rock de Montreal Arcade Fire se deleita com suas dualidades enquanto lida com grandes ideias de envelhecimento e mortalidade. De certa forma, Funeral pareceu uma reação à postura descolado demais para a escola que levantou sua cabeça bem penteada no indie rock do início dos anos 2000, em vez disso, inclinando-se para o emocionalismo de garganta cheia no último suspiro “Neighborhood #3 (Power Out)” e no orgulhosamente imperfeito “Wake Up”. Lançado pela Merge Records, lar do Superchunk e do Magnetic Fields, o álbum desempenhou um papel importante em empurrar o gênero em direção à sinceridade, fazendo novos fãs e conquistando novos amigos para o Arcade Fire, como Bono e David Bowie. —M.J.
22. Vampire Weekend, ‘Modern Vampires of the City’
Um disco que estabeleceu o padrão para o álbum moderno de amadurecimento, o terceiro disco de estúdio do Vampire Weekend, Modern Vampires of the City, se destaca como o esforço mais completamente realizado do grupo. Saindo dos estilos universitários de sua estreia autointitulada e Contra de 2010, Modern Vampires traz a sensibilidade sonora variada e eclética da banda — tornada coesa pela produção do membro da banda Rostam Batmanglij — e a molda em algo profundo. Dos estilos de rock clássico de “Diane Young” à lenta “Hannah Hunt”, o álbum pega os inúmeros talentos do Vampire Weekend e os coloca em uso na criação de um disco duradouro sobre a natureza assustadora da passagem do tempo. —J.I.
21. The White Stripes, ‘White Blood Cells’
O White Stripes explodiu em Detroit Punk City com sua mitologia de irmão e irmã codificada por cores, caprichos divertidos, ironia brincalhona e batida minimalista de garage-blues. Meg White bateu como Maureen Tucker por meio de Dave Grohl. Jack White zurrou, piscou e roubou de todos os lugares — Led Zeppelin, Country Joe and the Fish, Jim Croce. Em seu terceiro álbum, eles entregaram uma doçura acústica digna de “Thirteen” do Big Star em “We’re Going to Be Friends” e violência primitiva digna dos Stooges em “I Think I Smell a Rat”, e explodiram em estrelas do rock da vida real com o riff de combustível de foguete e o vídeo de Lego de “Fell in Love With a Girl”. —J.D.
20. PJ Harvey, ‘Stories From the City, Stories From the Sea’
PJ Harvey cita a cidade de Nova York bastante em seu quinto álbum, mas se você ouvir com atenção, o cenário real do disco é um mundo dramático, devastado pela guerra, pós-apocalíptico, onde prostitutas se apressam e se apressam, e as únicas emoções sensatas são ansiedade e amor. “Este mundo todo foi para a guerra, tudo que eu preciso é você esta noite”, ela canta cautelosamente e sucintamente em “One Line”. Cada música apresenta sua própria tempestade: uma explosão violenta de paixão em “This Is Love”, buscando a inocência perdida (“Good Fortune”), sentindo-se presa no amor (o dueto de Thom Yorke “The Mess We’re In”), a promessa de esperança (“We Float”). O ardor sísmico de Harvey às vezes parece avassalador, mas é o mistério e o momento que importam. —K.G.
19. Interpol, ‘Turn on the Bright Lights’
Enquanto os Strokes definiam o renascimento do garage-rock de Nova York, o Interpol definia o tédio urbano. O canto monótono e melancólico de Paul Banks flutua sobre os arpejos carregados de eco de Daniel Kessler e as linhas de baixo geladas de Carlos Dengler. Bright Lights capturou a tensão estranha de Manhattan pós-11 de setembro, passando da contenção à liberação, do distanciamento frio (“Obstáculo 1”) à necessidade intensa (“PDA”). As melodias agudas de Kessler entrelaçadas pelas execuções graves propulsivas de Dengler criaram um retrato sonoro de isolamento que evocou seus heróis Joy Division e The Cure sem confessar a eles. —S.G.
18. Phoebe Bridgers, ‘Punisher’
No auge da pandemia da Covid-19, quando muitos artistas estavam adiando seus lançamentos, Phoebe Bridgers seguiu em frente e lançou seu segundo álbum. Estamos felizes que ela tenha feito isso: para muitos, Punisher se tornou uma trilha sonora para aqueles tempos turbulentos e isolados, um raio trator que nos ajudou a escapar. E se John Mayer descreveu sua estreia em 2017, Stranger in the Alps, como a “chegada de um gigante”, Punisher solidificou sua posição como uma das compositoras mais fortes de sua geração. Venha para as viagens noturnas à farmácia e festas de aniversário com temas náuticos. Fique para aquele grito brutal e gutural em “I Know the End”. —A.M.
17. Green Day, ‘American Idiot’
Ninguém estava pronto para American Idiot quando a ópera rock sobre a vida na América de George W. Bush foi lançada no outono de 2004. Antes do lançamento, o Green Day era visto por muitos como o pop-punk dos anos noventa esgotado, uma década após seu pico em Dookie. Mas American Idiot — que mira no complexo militar-industrial, na ganância corporativa, no mal-estar suburbano e até mesmo na TV de realidade — conectou-se com uma nova geração de adolescentes e transformou o Green Day em uma banda de rock de estádio rivalizada apenas por nomes como o U2. Vendeu 23 milhões de discos no mundo todo, foi transformado em uma peça da Broadway, rendeu ao Green Day um Grammy de Melhor Álbum de Rock e provou que os relatos sobre a morte do rock na era do Napster eram grosseiramente exagerados. —A. Greene
16. Sleater-Kinney, ‘The Woods’
Em suas memórias de 2015, Carrie Brownstein, do Sleater-Kinney, escreveu que com The Woods, a banda “começou grande e nós esculpimos a pequenez e os detalhes de uma tela maior”. The Woods é cheio de músicas grandes, altas e musculosas; sua arrogância de rockstar recém-descoberta misturada com suas letras brilhantes, cruas e cheias de raiva criam uma experiência sonora e tematicamente mais sombria. Pegue o incrível golpe um-dois-três de “Jumpers”, “Modern Girl” e “Entertain”. Ou a extravagância de 15 minutos de “Let’s Call It Love” em “Night Light”. Levaria 10 anos até que a banda se reunisse novamente para No Cities to Love. E, claro, The Woods teria sido um ápice perfeitamente bom, mas, para nossa sorte, havia mais ótimas músicas por vir. —L.T.
15. Bruce Springsteen, ‘The Rising’
Bruce Springsteen passou boa parte dos anos 90 lutando para encontrar sua voz de compositor devido às mudanças de gosto musical e à ausência de seu antigo grupo de apoio, a E Street Band. Mas quando as Torres Gêmeas caíram logo após a conclusão de uma turnê de reunião da E Street Band, Springsteen de repente começou a escrever músicas fortes e poderosas sobre a tragédia, como “Empty Sky”, “Into the Fire” e “The Rising”. Trabalhando com o produtor do Pearl Jam, Brendan O’Brien, ele as transformou em um álbum que canalizou a dor coletiva da nação e provou que tinha muito mais a oferecer aos fãs de rock do que memórias de seus próprios dias de glória. Foi o início de um capítulo inteiramente novo de sua carreira. —A. Greene
14. Arctic Monkeys, ‘AM’
Com sua paleta sonora expansiva e inúmeras influências, AM se destaca como o disco de rock com R maiúsculo do Arctic Monkeys. Não é apenas o riff máximo em “Do I Wanna Know” ou “Arabella”, que adora o Sabbath, são os tributários que levam a todos, de Lou Reed (“Mad Sounds”) e Aaliyah (“R U Mine?”), a Dr. Dre (“Why’d You Only Call Me When You’re High”) e Elton John (“No. 1 Party Anthem”). Tudo isso sustenta a narrativa picaresca de Alex Turner sobre mágoa e desejo, às vezes fantástica, muitas vezes apresentada com o realismo vívido que há muito define algumas de suas melhores composições. AM prova mais uma vez que não há nada mais rock & roll do que desejo insaciável, solidão abjeta e guitarras altas. —J. Blistein
13. Radiohead, ‘In Rainbows’
O Radiohead inventou um novo tipo de lançamento surpresa de álbum para o In Rainbows, anunciando-o com apenas alguns dias de antecedência. Sem gravadora, sem single — apenas um download pague o que quiser. Mas a música foi a verdadeira revelação: o Radiohead em seu momento mais caloroso e expansivo, prosperando em sua energia coletiva. Eles retrabalharam músicas que vinham desenvolvendo ao vivo por alguns anos, com viagens de guitarra irregulares como “Weird Fishes/Arpeggi” ou a jam de pandeiro “Reckoner”. No entanto, as canções de amor têm um toque de R&B, enquanto Thom Yorke derrama seu coração em baladas como “All I Need”. In Rainbows é o máximo que eles já soaram como cinco companheiros de longa data jogando ideias malucas um para o outro, em um groove comunitário de fusão mental. Para muitos fãs, é o auge da banda. —R.S.
12. Paramore, ‘Riot!’
O rugido característico de Hayley Williams (e o cabelo cor de tangerina) perfurou o shopping emo cheio de caras como um fogo de artifício. Enquanto a gravadora Fueled by Ramen criava gigantes do mainstream a partir do Fall Out Boy e do Panic! at the Disco, o Paramore chegou para levar a coroa com o Riot! Repleto de grampos pop-punk confiantes e estrondosos como “That’s What You Get” e “Misery Business”, o LP afiado convenceu o mundo de que uma banda de pop-rock emo liderada por garotas estava lá para o longo prazo — e fadada a se tornar uma das maiores bandas das últimas duas décadas. Ninguém previu seu futuro melhor do que o próprio Paramore, pois eles usaram seu segundo álbum para gritar “Nós nascemos para isso!” — M.G.
11. Mitski, ‘Puberty 2’
Mitski faz música para ficarmos sozinhos — juntos. E ela nunca fez isso tão dolorosamente quanto com Puberty 2, seu álbum de sucesso de 2016. Amor, perda, identidade e desespero: tudo isso ressoa em seu quarto disco, aquele que abriu as portas para legiões de cantores e compositores com uma inclinação para o introspectivo. Pegue a absolutamente eviscerante “Your Best American Girl”, que se confunde com identidade e romance em igual medida. E então há “Happy”, uma sessão de luto com falhas que desmente seu título. Sua voz aqui é verdadeiramente singular. Melada e profunda, suas letras de alguma forma intensamente pessoais, mas totalmente relacionáveis. —B.E.
10. LCD Soundsystem, ‘Sound of Silver’
James Murphy fez os hipsters de Nova York rirem alto e dançarem muito ao mesmo tempo com os primeiros clássicos electro-clash do LCD Soundsystem, como “Losing My Edge” e “Daft Punk Is Playing at My House”. Com Sound of Silver, ele levou isso a um nível totalmente novo, afiando os grooves de sua banda e seu senso de ironia em músicas como “North American Scum” e “Time to Get Away”, enquanto infundia a pulsação de sintetizador de ponta do LCD com uma sensação real de coração desprotegido em “Someone Great” e “All My Friends”, músicas profundas sobre como acertar as contas com a vida passando e arrependimentos se acumulando conforme seus anos mais legais desaparecem no retrovisor. —J.D.
9. The Killers, ‘Hot Fuss’
Hot Fuss foi como a resposta do clube de teatro para a festa indie dos garotos descolados do início dos anos 2000, e se você acha isso pejorativo, a culpa é sua. A estreia estrondosa da banda de Las Vegas uniu ambição do tamanho de uma arena e pop de outro mundo com toques de New Wave, glam e pós-punk e dance-punk para criar algumas das músicas mais indeléveis do início do século XXI. “Mr. Brightside” se tornou o clássico de suporte de carga, seguido de perto por “Somebody Told Me” e “All These Things That I’ve Done”. Mas Hot Fuss está empilhado de cima a baixo, do rock propulsivo de “Jenny Was a Friend of Mine” até a pompa lânguida do sintetizador de “Everything Will Be Alright”. —J. Blistein
8. Wilco, ‘Yankee Hotel Foxtrot’
Esperando por um disco de alt-country amigável para rádio, a gravadora original da banda rejeitou Yankee Hotel Foxtrot, apenas para Wilco transmiti-lo de graça e então assinar com uma gravadora irmã, o que o tornou um sucesso. Acertadamente apelidado de American Kid A, Yankee Hotel Foxtrot define a composição musical lindamente abafada de Jeff Tweedy para arranjos que misturam os esperados sabores do roots-rock com os zumbidos, gritos e bipes do krautrock. Mesmo enquanto Tweedy lutava com o controle de danos mentais (“Há algo errado comigo/Minha mente está cheia de curas de rádio/Palavras cirúrgicas eletrônicas”, ele canta em “Radio Cure”), ele e Wilco se libertaram do pasto do roots-rock e mostraram os lugares emocionantemente excêntricos em que o rock & roll poderia se aventurar no novo século. —D.B.
7. Yeah Yeah Yeahs, ‘Fever to Tell’
O Yeah Yeah Yeahs era um sonho punk-rock de Nova York que se tornou realidade, três garotos detonando seu próprio estilo de chutes de garagem loucos por sexo. Eles entraram na calmaria da cena do rock do início dos anos 2000, transformando-a em uma festa selvagem. A vocalista Karen O rondava o palco com meias arrastão rasgadas e batom borrado, uma assustadora menina-criança demoníaca com um uivo selvagem. O YYYs se tornou uma sensação mundial com sua estreia, Fever to Tell, com o andar selvagem de “Y Control” (“Eu queria poder comprar de volta a mulher que você roubou”) e “Black Tongue”. Sua balada de amor dolorida “Maps” se tornou um clássico atemporal, com Karen implorando “Espere, eles não te amam como eu te amo” sobre a guitarra mutante de Nick Zinner e a bateria estrondosa de Brian Chase. —R.S.
6. David Bowie, ‘Black Star’
David Bowie sabia que estava morrendo de câncer de fígado quando começou a gravar Blackstar no início de 2015 com o produtor de longa data Tony Visconti. Trabalhando ao lado de um grupo de músicos de jazz de Nova York liderados pelo saxofonista Donny McCaslin, ele criou o que Visconti chamou de “presente de despedida” para os fãs. A assombrosa “Lazarus” (“Olhe aqui, estou no céu/tenho cicatrizes que não podem ser curadas”) é o ponto alto emocional, enquanto a faixa-título de 10 minutos é uma fusão impressionante de rock progressivo e jazz de vanguarda que se destaca em qualquer um dos melhores trabalhos de Bowie dos anos setenta. Os fãs tiveram apenas um fim de semana para processar o álbum antes que a notícia de que Bowie morreu chegasse naquela segunda-feira. Foi um dos maiores atos finais da história do rock. —A. Greene
5. Bob Dylan, ‘Love and Theft’
Bob Dylan foi um homem de muitas surpresas, mas ele realmente chocou a todos com Love and Theft, a obra-prima esfarrapada que ele lançou em 11 de setembro de 2001. Aos 60 anos, Dylan rosnou na voz de um andarilho grisalho que visitou todos os cantos e recantos da América e foi expulso de todos eles. Mas ele nunca soou tão ameaçador, ou tão impregnado dos costumes folclóricos da música americana, com blues do Delta, ragtime, country, rockabilly e piadas cafonas de vaudeville. Dylan fez tudo soar como se desta vez não houvesse realmente uma direção para casa, rosnando: “Essas memórias que tenho podem estrangular um homem”. É uma das suas maiores, do romance condenado “Mississippi” à despedida inquieta “Sugar Baby”. —R.S.
4. The White Stripes, ‘Elephant’
Se “Johnny B. Goode” de Chuck Berry nos deu o riff de guitarra por excelência do século XX, “Seven Nation Army” do White Stripes fez o mesmo para este século. Gravado em equipamento vintage sem nenhum enfeite de produção, a salva de abertura do Elephant — aquela linha de baixo metronômica e inexpressiva que foi tocada em iPods e reverberada por estádios, do rei da Inglaterra aos cães do inferno — fez mais do que apenas lembrar ao mundo o apelo eterno dos elementos básicos do rock. O álbum criou uma espécie de modelo para a autenticidade na era digital. A coragem minimalista da dupla de Detroit prenunciou o sucesso dos revivalistas do garage-rock, do Black Keys ao Arctic Monkeys, mostrando como canalizar o passado sem cair na nostalgia. —S.G.
3. Fiona Apple, ‘The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do’
Após atrasos e dramas com seu álbum anterior, Extraordinary Machine de 2005, Fiona Apple começou a gravar The Idler Wheel em segredo, anos antes de seu lançamento. Trabalhando com seu baterista de turnê Charley Drayton, ela adotou um estilo de produção minimalista, enfatizando ferramentas de percussão incomuns como tímpanos, até mesmo batendo nas coxas e pisando no chão. O que surgiu foi uma espécie de jazz de cabaré livre, ao mesmo tempo vorazmente honesto (“Eu não sinto nada até que eu o destrua”, ela avisa em “Daredevil”) e habilmente abstrato (“Eu sou amorosa, mas fora de alcance/Um desenho de natureza morta de um pêssego”, ela cantou em “Valentine”). Ao desafiar as estruturas tradicionais das canções e explorar os recessos mais profundos de sua vida interior, Apple fez uma obra-prima ousada que ainda parecia acessível. —A.W.
2. The Strokes, ‘Is This It’
Com seu estilo de garoto rico e maltrapilho e suas músicas neo-New Wave escandalosamente divertidas, Strokes deram à cena do rock uma infusão de calor muito necessária, surfando uma enorme onda de hype em seu LP de estreia. Todos os seus movimentos foram econômicos — de Lou Reed, Tom Petty, the Cars, Television, Psychedelic Furs e outros, mas eles misturaram e combinaram com um gênio de garoto prodígio que parecia meticuloso e despreocupado ao mesmo tempo. De “Last Night” a “Soma”, “Hard to Explain” a “Trying Your Luck”, seu Is This It passou sem uma única música não cativante na lista de faixas, colocando-o entre os melhores discos de guitarra de Nova York já feitos. Is This It desempenhou um papel importante em dar início a toda uma avalanche de bandas legais de “o rock está de volta” nos anos 2000. —J.D.
1. Radiohead, ‘Kid A’
Quando Kid A foi lançado em outubro de 2000, Bill Clinton era presidente, as Torres Gêmeas estavam de pé, Donald Trump era um vendedor ambulante de imóveis decadente e a internet ainda prometia educar mentes jovens e unir a humanidade. Mas as 11 faixas que o Radiohead reuniu para seu quarto álbum — utilizando sequenciadores, drum machines, sintetizadores vintage, cordas e uma seção de metais — previam um século 21 mais sombrio, marcado pelo medo, solidão, deslocamento e avanços tecnológicos que só nos dividem ainda mais. (Em outras palavras, eles sabiam exatamente para onde estávamos indo.) Os fãs ficaram inicialmente perplexos com músicas densas e abstratas como “Everything in Its Right Place”, “Idioteque” e “The National Anthem”. Em poucos anos, muitos o chamavam de seu álbum favorito do Radiohead. E 25 anos depois, há um sentimento quase universal de que Kid A não é apenas uma conquista imponente da maior banda de seu tempo, mas também um chamado de alerta que passou completamente despercebido. —A. Greene
