A estrela pop se une a seu irmão Finneas para seu terceiro álbum juntos, expandindo a visão fria e sombria de seu som. É um álbum honesto e ambicioso quando não é inerte e repetitivo.
Isso é o mínimo que sabemos sobre a entrada de Billie Eilish em um álbum. Durante anos, a jornada da estrela foi documentada em entrevistas anuais da Vanity Fair e em documentários sinceros; até o Carpool Karaokê visitou a casa de infância de Eilish, onde ela ainda morava até recentemente. Essa aparente falta de limites entre a estrela pop e seu público é cada vez mais padrão para as megaestrelas, mas a música íntima de Eilish fez dela uma candidata particularmente forte à parasocialidade. Seu álbum de 2021, Happier Than Ever, foi em grande parte uma resposta ao escrutínio público, mais reservado e maduro do que seu álbum de estreia de 2019, When We All Fall Asleep, Where Do We Go? Nos anos seguintes, Eilish manteve-se discreta, aparecendo de vez em quando para fazer a trilha sonora de um filme da Pixar ou ganhar um Oscar antes de se retirar para trabalhar no próximo disco.
Para ouvir Eilish dizer isso, o objetivo de HIT ME HARD AND SOFT era fazer um “álbum incrível”, citando Viva La Vida do Coldplay e Big Fish Theory de Vince Staples como influências. Esses discos também são mini-épicos pop ambiciosos, onde artistas consagrados mostram seu alcance, mas geralmente há alguém de fora como Brian Eno ou SOPHIE para tirar o músico de sua zona de conforto. Com Finneas mais uma vez no comando, o HMHAS é mais do mesmo. Pela primeira vez, o baterista ao vivo de Eilish, Andrew Marshall, está a bordo, assim como o Quarteto Attacca, tocando arranjos orquestrados por Finneas e o prolífico David Campbell. Nunca assinando um único gênero, Eilish passa do trance minimalista ao rock de estádio massivo, e o álbum tem as mesmas camadas vocais densas e percussão inventiva que fazem de Finneas um dos produtores pop mais excessivamente documentados. Mas não há uma guinada verdadeira, apenas versões maiores do que eles já fizeram – até mesmo o Coldplay se interessou pelo shoegaze! A experimentação que existe aqui demonstra os pontos fortes e as limitações dos irmãos à medida que eles iniciam seu terceiro projeto juntos, mas seus retornos são decrescentes.
Tematicamente, HMHAS concentra-se principalmente em deixar de amar um narcisista (conforme documentado em “Blue”) e em se apaixonar por uma mulher pela primeira vez. A abertura “Skinny” provoca outro disco sobre os perigos da fama, no estilo Happier Than Ever, e é difícil não culpá-la: quando Eilish casualmente confirmou sua bissexualidade em um perfil maior da Variety, isso era tudo sobre o que a imprensa queria falar. Quando isso é abordado no álbum, é nos seus próprios termos, como se os anos de acusações insensíveis de “queerbaiting” nunca tivessem acontecido. É difícil se destacar na era das playlists sáficas sancionadas pelo Spotify, mas “Lunch” é encantadora por sua sexualidade prosaica e pelas melhores falas do disco: “Eu comprei algo raro para você/E deixei em… Claire .” Embora os riffs sincopados de piano e guitarra lembrem o mais genérico do pop alternativo de 2010, Eilish mantém sua irreverência com duplo sentido e nenhum sentido (“Eu só quero tirá-la”, ela murmura). A progressão de acordes de “Last Christmas” de “Birds of a Feather” parece projetada para a trilha sonora de histórias melancólicas de maioridade e, com certeza, você a encontrará no trailer do melancólico programa de maioridade da Netflix, Heartstopper. Ambas as músicas são partidas exclusivamente efervescentes em seu catálogo, mas nunca soam como uma estrela pop tentando acompanhar a rádio pop - apenas o entusiasmo sincero de alguém que se apaixona.
Outras vezes, Billie e Finneas poderiam muito bem ter ligado um grande letreiro de néon que diz “isto é uma obra-prima”. Às vezes, essa grande ambição funciona: a melancólica “Chihiro” revisita o som acelerado do primeiro single “Bellyache”, mas troca os violões por sintetizadores grandes e caros, compensando a falta de refrão real com densidade. Várias suítes com várias partes parecem estar apenas recauchutando um território familiar. Apesar do cinturão de melhor carreira de Eilish, “The Greatest” não consegue escapar da sombra de “Happier Than Ever”; “Bittersuite” evolui de sua introdução dub em alto mar para “Billie Bossa Nova 2” antes de seguir timidamente para o encerramento. O ponto mais baixo é “L’Amour de Ma Vie”, uma balada de rompimento relativamente padrão com uma segunda metade marcada por sintetizadores coloridos e uma produção que tenta um espaço negativo e não dá certo: depois de anos reinventando o pop de quarto para estádios, Billie e Finneas finalmente fez algo que parece jogado junto no quarto de alguém.
Eilish abre novos caminhos em sua narrativa, investigando a confusão do relacionamento com uma maturidade recém-descoberta. Em “Wildflower”, ela descreve seus sentimentos crescentes pelo ex de seu atual namorado: “Você diz que ninguém te conhece tão bem/Mas toda vez que você me toca, eu me pergunto como ela se sentiu”. O destaque do álbum também prospera nessas leituras ambíguas: “The Diner” é uma música perseguidora do ponto de vista de alguém invadindo sua cozinha, como se mais uma carta assustadora fosse finalmente conquistar seu coração. No entanto, versos como “você poderia ser minha esposa”, fora de contexto, lembram a atração pelo mesmo sexo explorada em outros lugares; quanto de si mesma Eilish vê no papel da romântica obsessiva? Afinal, esta é a pessoa que escreveu em “Refém” sobre querer rastejar nas veias de seu amante. Envie uma mensagem de texto para o número de telefone que ela sussurra no final e você receberá mensagens automáticas repetidas dizendo “é a Billie, me ligue”, atraindo um truque de marketing para o mundo da história.
Cada música deste grande álbum tem algum detalhe que vale a pena ouvir, mas a insistência em épicos e baladas com várias partes mata o ímpeto. Quando “Wildflower” e “The Greatest” crescem consecutivamente, fica irritante. A tão elogiada instrumentação ao vivo é mais uma fachada do que parte integrante da arte, e a mistura brilhantemente saturada de Jon Castelli deixa os elementos estranhos lutando por espaço nas seções mais lotadas. Todas essas melhorias se anulam até que HMHAS seja apenas mais um bom disco de Billie e Finneas – certamente de bom gosto e às vezes cativante, mas nem todos os músicos de estúdio do mundo conseguem torná-lo uma obra-prima.
