8. I Am… Sasha Fierce (2008)
Mais memorável por seus singles de sucesso, o primeiro criador de memes “Single Ladies (Put a Ring on It)” e a balada power “Halo”, as músicas de I Am… Sasha Fierce são divididos em duas partes discretas: slow jams de uma suposta natureza pessoal e mais faixas de aggro club atribuídas ao doppelganger do título do álbum. É uma fórmula que mata o momento e que cria não apenas uma experiência de escuta desconexa, mas uma narrativa incoerente. O álbum é mais eclético do que seus antecessores, com algumas baladas surpreendentemente sutis (“Disappear” e “Satellites”) e bangers deliciosamente estranhos (“Diva” e “Video Phone”). Mas, no final, o alter ego de Beyoncé não é muito diferente do artista que conhecemos. A verdadeira disparidade em I Am… Sasha Fierce é a incapacidade de Beyoncé de conciliar o schmaltz adulto-contemporâneo da primeira metade do álbum com os sons mais modernos e ousados de sua segunda.
7. Dangerously in Love (2003)
Dangerously In Love, de Beyoncé, conseguiu o que todo álbum de estreia de sucesso deveria: cimentou a noção de que a cantora era uma formidável estrela solo, se é que isso já estava em dúvida, com uma série de hits pop contagiantes (“Crazy In Love”, “Naughty Girl” e “Baby Boy”). Também lhe deu liberdade para exibir sua destreza vocal (“Eu, Eu e Eu”) e explorar temas mais maduros (“Speechless”) e sons R&B sensuais (“Be with You”) sem se afastar muito do modelo estabelecido por Destiny’s Child. O álbum não tenta reinventar a roda (embora tenha introduzido o subgênero go-go para as massas), nem sucumbe aos tropos da época (apesar das participações especiais de um bando de pesos pesados do hip-hop, incluindo Jay-Z, Big Boi e Missy Elliott). Se a segunda metade do álbum se arrasta, isso é em parte porque ele segue uma tendência cansada, empilhando seus bops de fogo no topo. Dito isso, você não pode culpar sua gravadora por querer reapresentar sua nova Queen Bee com um burburinho.
6. 4 (2011)
O 4 predominantemente intimista, balada pesada, encontrou Beyoncé fértil e pronta. Desde os versos iniciais da esmagadora “1+1”, a voz da cantora está madura e, bem, encorpada, e o brilho continua até o clímax do primeiro single do álbum, “Run the World (Girls)”. A tracklist não é tão cheia de jams de fazer bebês, mas é povoada por pequenos fetos de R&B, e a voz de Beyoncé é a parteira. Além de “Run the World” e “Love on Top”, um tributo brilhante e alegre ao frescor do R&B de meados dos anos 80, o álbum é dominado por faixas de meio a nenhum tempo, o que, vocalmente falando, dá a Bey corda suficiente para pendurar seus duvidosos ou ela mesma. Apropriadamente, durante uma apresentação de “Love on Top” no VMAs alguns meses após o lançamento do álbum, ela revelou um baby bump real.
5. B’Day (2006)
Se Dangerously In Love se apoiou demais em baladas lentas, sua continuação adotou uma abordagem mais maximalista. A edição padrão original de B’Day é enxuta e agressiva, com apenas dois pontos de convidados (ambos cortesia de Jay-Z) e a balada schmaltzy Dreamgirls “Listen” é abordada como uma faixa escondida, para não atrapalhar a flexão de Beyoncé. Há algo de perversamente guloso na forma como a cantora bate um banger atrás do outro, sua voz ultrapassando os limites do E.Q. em quase todas as faixas. Ela expõe sua missão de ser vista em “Get Me Bodied”, se declara uma “Suga Mama” e adiciona o termo “freakum dress” ao léxico pop, tudo em nome do poder do P. Na verdade, “Kitty Kat”, a única pausa no meio do tempo até o final do álbum, encontra Beyoncé literalmente arrumando sua buceta e deixando o homem que não parece mais interessado no que ela está vendendo.
4. Beyoncé (2013)
Com seu quinto álbum autointitulado, Beyoncé evitou o hype habitual da mídia e os prognósticos da indústria ao lançá-lo sem qualquer promoção de pré-lançamento. A lei da diminuição das expectativas. Musicalmente e tematicamente, o álbum é mais ambicioso do que 4 ou I Am… Sasha Feroz. Ele leva Beyoncé (e nós) a alguns lugares poderosos estranhos e emocionantes, como no fantasmagórico “Haunted” e no espetacular baixo de “Partition”. Algumas baladas pingadas – como “Pretty Hurts” e “Blue”, que abrem e fecham o álbum, respectivamente – impedem Beyoncé de ser uniformemente inovadora. E, em última análise, nem o lançamento furtivo do álbum nem seu componente visual (um videoclipe para cada música foi lançado simultaneamente) quebraram muitos precedentes para o formato de LP sitiado. Em vez disso, o que torna Beyoncé significativa é o fato de que sua criadora parecia se importar mais em seguir sua felicidade criativa do que em marcar sucessos fáceis.
3. Cowboy Carter (2024)
O lançamento de Cowboy Carter colocou um holofote gritante na hipocrisia da música country – e dos Estados Unidos – quando se trata de apropriação cultural, raça e privilégio. É um tema que a própria Beyoncé não tem medo de enfrentar. “Dizia que eu falava muito country/ E a rejeição veio, disse que eu não era country ‘nough’”, canta ela em “Ameriican Requiem”. Alguns podem dizer que Cowboy Carter não é country o suficiente, ou que suas músicas mais “country” parecem muito ersatz. Mas, como Renaissance, este é, antes de tudo, um álbum de Beyoncé, e se destaca quando se inclina para o pastiche. As melhores faixas – “Ya Ya”, “II Hands II Heaven”, “Sweet Honey Buckiin” – borram as linhas entre country, R&B e hip-hop, com samples musicais (Underworld, Nancy Sinatra) se contrapondo a citações líricas aparentemente díspares (Beach Boys, Fleetwood Mac), com batidas de trap e tropos country casados com soul antiquado. Com 27 faixas e quase 80 minutos, Cowboy Carter é muito longo e, às vezes, bagunçado, mas isso é um reflexo da América como qualquer outro.
2. Lemonade (2016)
O sexto álbum de estúdio de Beyoncé, Lemonade, é mais revelador como um discurso aberto sobre a infidelidade de seu marido e sua própria insegurança. Pedalando do R&B modernizado (“Sorry”) ao country (“Daddy Issues”) ao soulful rock (“Freedom”), o álbum se mantém como um corpo de trabalho graças à sua exploração consistente da devastação emocional da cantora e à combinação de sua marca registrada com um drama íntimo cativante. No entanto, talvez a maior surpresa seja que a dinastia Knowles/Carter parece saudável como sempre e, portanto, o complexo legado de Lemonade é ao mesmo tempo pessoal, comercialmente viável e teatral – um show perfeitamente concebido e dinâmico originalmente disfarçado de revelação.
1. Renaissance (2022)
Assim como os ritmos propulsivos de seu sétimo álbum de estúdio, Renaissance, a produção solo de Beyoncé se desdobrou como um sistema de entrega para pop e R&B suntuosamente trabalhados, raramente ociosos ou parados em um modo por muito tempo. O álbum percorre e domina uma variedade de estilos voltados para pistas de dança, incluindo o embaralhamento afrobeats de “Heated”, o despreocupado disco-funk de “Cuff It” e o gospel pesado de 808 de “Church Girl”. Beyoncé até toca no esquisito avant-eletrônico A. G. Cook para ajudar a produzir “All Up in Your Mind”, cujos gemidos, graves maciços e emaranhado de sintetizadores ansiosos podem ser os sons mais conflitantes do catálogo da artista. Devido em parte à sua variedade tonal e sequenciamento especializado, o Renaissance nunca parece monótono, apesar de seu movimento quase implacável para frente. Mesmo os momentos mais moderados ou aparentemente substantivos do álbum ainda são números de dança estridentes no coração. Ao longo de todo o processo, Beyoncé nos desloca do passado e do presente e nos situa em seu ecossistema único, onde as batidas aparentemente continuam para sempre enquanto a história e o futuro colidem.
